Cr\u00edtica de \u00c1lex Mitrani sobre la muestra 5+5<\/strong><\/p>\n Hay encuentros que son tan felices, tan acertados y f\u00e9rtiles, que nos hacen olvidar su origen azaroso. Esta reuni\u00f3n de artistas se ha producido gracias a los contactos y a las afinidades personales en los cuales es tan importante el reconocimiento de la sensibilidad gemela como la casualidad. De este modo, la vocaci\u00f3n y la pasi\u00f3n art\u00edstica generan aproximaciones sorprendentes como las de estas cinco artistas afincadas en Barcelona y estas cinco artistas chinas. Hay entre ellas una gran distancia geogr\u00e1fica y cultural, pero en nuestra civilizaci\u00f3n actual de internet estas distancias ya no tienen sentido o tiene un sentido diferente. Una chispa de inter\u00e9s, la constataci\u00f3n de una afinidad sutil, una necesidad de di\u00e1logo e intercambio, la curiosidad y la generosidad, han sido los alicientes suficientes para iniciar un trabajo colectivo.<\/p>\n 5+5 es un proyecto expositivo, es una edici\u00f3n, una obra colectiva con doble formato para el encuentro entre artistas y para el encuentro con el espectador. La exposici\u00f3n es el lugar para transitar, para enfrentar y comparar piezas importantes.<\/p>\n La caja de litograf\u00edas es un contenedor secreto de maravillas. No es ni una simple carpeta ni un pretencioso cofre, sino un dispositivo para contemplar, para la mirada y para el tacto, que nos permite meditar sobre lo ef\u00edmero y lo secreto, sobre la belleza y sobre la imperfecci\u00f3n. A modo de breves apuntes y como invitaci\u00f3n, podemos aportar aqu\u00ed unas primeras impresiones, del trabajo de las artistas de 5+5. Abramos la caja…<\/p>\n De Maribel Mas destaca el gesto. A veces es un rastro leve de rojo, un eco de la sangre. En otros es \u00edmpetu y decisi\u00f3n. Hay aqu\u00ed, reunidos, belleza y dolor. Maribel Mas es una maestra en el arte de la litograf\u00eda tradicional y destila de la piedra texturas de una sutileza inefable. N\u00faria Rossell incluye el verde en su obra, pues est\u00e1 cargada de savia. El paisaje y la escritura se confunden, unidas por la textura del grafito. Rosa Solano es la m\u00e1s texturada y mat\u00e9rica, en la tradici\u00f3n del informalismo catal\u00e1n. Sus estructuras ortogonales evocan el paso del tiempo, un palimpsesto arquitect\u00f3nico de gran poder evocador, ciertamente rom\u00e1ntico. En el trabajo de Victoria Rabal pueden haber referencia figurativas muy claras. La piel, las escamas de los peces, la trama de una red, son estructuras que le fascinan y que nos hablan del ritual del gesto, de un orden oculto de las cosas y los cuerpos, atravesados por una unidad secreta. Tambi\u00e9n hay un proceso de velado y desvelado en Matilde Velda. Su limitaci\u00f3n deliberada a los blancos nos recuerda al minimalista Robert Ryman, pero en ella no responde a un m\u00e9todo anal\u00edtico sino a una b\u00fasqueda del matiz, del significado de la transparencia: de aqu\u00ed el papel metaf\u00f3rico y po\u00e9tico de sus t\u00edtulos.<\/p>\n Las tramas sobre fondo negro de He Guirui nos hablan del sentido y la fertilidad del orden y la contenci\u00f3n. Podr\u00edan ser tanto patterns como estructuras naturales, porque ambas remiten a un misma necesidad. La homogeneidad permite que se aprecie en su levedad el movimiento y las modulaciones del ritmo. En Qiu Hong nos parece observar un lazo directo con la tradici\u00f3n oriental. Flores y plantas aparecen como impronta, como un rastro parad\u00f3jicamente transparente, como la naturaleza milenaria detenida en el tiempo gracias al \u00e1mbar. En Chen Zijun se adivinan rostros y cuerpos, presencias humanas despojadas de teatralidad. La piel se traduce en rosa y tonos terrosos. Lo sucio y lo delicado forman parte de una misma esencia, fr\u00e1gil y pulsante: la de la vida. Shan Hu Hou se mueve en un registro estrictamente abstracto. Destacan las cualidades escult\u00f3ricas de su obra. Gesto y construcci\u00f3n forman parte de un mismo proceso. El negro es aqu\u00ed contundente, preciso y al mismo tiempo din\u00e1mico y abierto. En cierto modo, Yang Shun explora caminos semejantes, los de la fluidez y lo atmosf\u00e9rico. Su obra tiene cualidades de levedad, como si hiciera un elogio de lo transitorio. La l\u00ednea es aqu\u00ed un camino, un meandro, un trayecto que se explica por s\u00ed mismo.<\/p>\n Qu\u00e9 es lo que relaciona o qu\u00e9 es lo que comparten artistas en origen tan diferentes? Seguramente se una tendencia a lo \u00edntimo, la pr\u00e1ctica de un arte delicado cuya calidad t\u00e9cnica y po\u00e9tica les aleja de cualquier concesi\u00f3n a la facilidad. Hay en ellas una consistencia de la fragilidad y una exigencia de lirismo que se puede considerar casi militante, como si reivindicara los derechos de la sensibilidad en un panorama art\u00edstico y cultural dominado, bien por el cinismo, bien por la frivolidad.<\/p>\n La reciente 30\u00aa Bienal de Sao Paulo, titulada “La inminencia de las po\u00e9ticas” ha marcado una posible vuelta del arte contempor\u00e1neo hacia lo sensible y la subjetividad como fuente de conocimiento. En esta \u00faltima bienal brasile\u00f1a se han conciliado el arte conceptual y la pintura, el arte social y el reflexivo. Ha abierto una v\u00eda para redescubrir los discursos realizados desde una subjetividad sincera y modesta, abierta a lo real. Paralelamente, este conjunto de artistas comparte tambi\u00e9n otra cualidad de genealog\u00eda oriental: la conciliaci\u00f3n de los contrarios y el rechazo del dualismo escindido. Esto las sit\u00faa en las ant\u00edpodas de las divergencias simplistas propias de las mentalidad mecanicista y machista. Tanto si se produce un baile entre negativo y positivo, entre l\u00ednea y vac\u00edo, entre negro y blanco, como si se construye una obra sobre las veladuras, los matices, las gradaciones infinitas, en todos los casos se rechaza una construcci\u00f3n un\u00edvoca y determinada, empobrecedora, de la expresi\u00f3n, en beneficio de una defensa de lo complejo. Alex Mitrani<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Cr\u00edtica de \u00c1lex Mitrani sobre la muestra 5+5.<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[1090],"tags":[946],"class_list":["post-28782","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-noticias","tag-946"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/28782","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=28782"}],"version-history":[{"count":0,"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/28782\/revisions"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=28782"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=28782"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/fundaciosetba.org\/es\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=28782"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}
\nHay un riesgo de la delicadeza, un atrevimiento en aceptar la vulnerabilidad del sujeto y del arte, en rechazar la palabrer\u00eda y hablar desde esa lenguaje silencioso que es la pintura. Las artistas de 5+5 se mueven en este registro sutil. De hecho, sus obras a menudo est\u00e1n basadas en los trazos, o en las trazas. En espa\u00f1ol, el trazo es el desarrollo de una l\u00ednea dibujada y una traza es una huella, un rastro. Ambas palabras est\u00e1n emparentadas pero son distintas. Aqu\u00ed se re\u00fanen. El dibujo es el registro de algo que no puede ser dicho de manera expl\u00edcita sino en hueco, como una impronta. Seguramente es por ello que la t\u00e9cnica litogr\u00e1fica ha seducido a estas artistas como un lenguaje diferido, el de la estampaci\u00f3n. Aqu\u00ed es necesario hacer un par\u00e9ntesis. Estamos usando juegos de palabras que no se pueden traducir cuando nos dirigimos a lectores de otras lenguas. En las obras art\u00edsticas m\u00e1s sutiles y esencialmente pl\u00e1sticas es justamente cuando se hacen m\u00e1s evidente las limitaciones del cr\u00edtico para describir, con ambiguas analog\u00edas o forzados cultismos, la profundidad del arte y de estas piezas en particular.
\nDif\u00edcil, pues, traducir con palabras las virtudes esenciales de estas obras. Y m\u00e1s porque en ellas, tanto entre las de la artistas barcelonesas como de las chinas, hay una coincidencia en el papel otorgado a un valor clave de la est\u00e9tica oriental: el vac\u00edo. De un modo u otro, en blanco o en negro, el vac\u00edo se construye como el paisaje de fondo sobre el cual se puede escuchar la voz del artista. El escritor y cal\u00edgrafo Fran\u00e7ois Cheng ha acercado esta est\u00e9tica para los occidentales:
\n“Le Vide n\u2019est pas seulement l\u2019\u00e9tat supr\u00eame vers lequel on doit tendre; con\u00e7u comme substance lui-m\u00eame, il se saisit \u00e0 l\u2019int\u00e9rieur de toutes choses, au c\u0153ur m\u00eame de leur substance et de leur mutation. (…) Le Vide vise la pl\u00e9nitude.”
\n(Fran\u00e7ois Cheng: Vide et plein, 1979)
\nEl vac\u00edo es pues una condici\u00f3n necesaria para comprender la realidad. Es, parad\u00f3jicamente, el andamio sobre el que se sostiene la obra de arte. El vac\u00edo es una respuesta y es un lugar: el momento en el que se resuelven arm\u00f3nicamente los conflictos y los procesos de la vida. En contra del exhibicionismo y del griter\u00edo de nuestra sociedad medi\u00e1tica, el descubrimiento del vac\u00edo permite una meditaci\u00f3n eficaz y fecunda.<\/p>\n
\nLa dial\u00e9ctica del papel encaja con esta sensibilidad. En un presente en el que est\u00e1 siendo sustituido (seguramente para el bien de nuestro planeta), el papel tiene unas cualidades t\u00e1ctiles y visuales irremplazables. Adem\u00e1s, es un s\u00edmbolo popular y universal de creaci\u00f3n y esperanza: el de la p\u00e1gina en blanco como reto y promesa. El blanco es el espacio, la pureza, el silencio. El negro de la tinta es la expresi\u00f3n, la elocuencia, la afirmaci\u00f3n. La elevaci\u00f3n de lo ambiguo sobre lo real y el elogio de la fragilidad no significan que no haya energ\u00eda en estas obras. De hecho, incluso en algunas se expresa cierta violencia, la fuerza del gesto, la tensi\u00f3n del orden o la relaci\u00f3n dolorosa con el cuerpo. Estos aspectos \u00edntimos son tratados siempre, en todo caso, con pudor y honestidad. Agua, piedra, luz, tinta, sangre, piel, espacio, signo y escritura se conjugan de manera tensa y arm\u00f3nica a la vez. Hay aqu\u00ed unas virtudes clave: como la intimidad y la concisi\u00f3n, que en una \u00e9poca de saturaci\u00f3n y excesos, adquieren una dimensi\u00f3n moral. El proyecto 5+5 representa una de las opciones m\u00e1s leg\u00edtimas para el arte hoy, una fuente recobrada de fuerza y pertinencia: la opci\u00f3n de la sensibilidad basada en el oficio y el atrevimiento, en la tradici\u00f3n y la libertad.<\/p>\n