Setba Jove 2013

La sexta edición de Setba Jove cuenta con 13 participantes e incorpora, un año más, una nueva disciplina: la danza.

Desde hace seis años, la Fundación Setba colabora con la muestra de arte joven STRIPART con el objetivo de promover las carreras de los jóvenes artistas.

La sexta edición de Setba Jove tendrá lugar en la Fundación Setba del 12 de septiembre al 31 de octubre de 2013.

Con este proyecto, la Fundación Setba no sólo da a los artistas seleccionados la oportunidad de exponer en su galería de arte, sino también de continuar trabajando con ellos en un futuro.

Por ejemplo, de la edición anterior la escultora Paula Alonso vendió 6 de sus piezas y desde la Fundación seguimos trabajando para exponer a otros artistas provenientes del STRIPART de la edición 2012, como Sonia Ferré o Carles Piera.

Queremos que Setba Jove sea una plataforma para los artistas emergentes y el disparo de salida de su carrera en el circuito galerístico comercial.

La sexta edición de la muestra Setba Jove cuenta con 13 artistas menores de 30 años que participan con proyectos enmarcados en 9 disciplinas diferentes: escultura, pintura, serigrafía, fotografía, ilustración, instalación, video arte, música y como novedad, la danza.

Artistas y obras

Ay Yamamoto – Sakegashira
ESCULTURA

El Sakegashira es un pez japonés que normalmente vive en las profundidades del mar pero que aparece en las costas antes de un terremoto. Siempre había pensado que el arte contemporáneo debía ser un medio para tratar problemas sociales, así que intentaba hacer trabajos lo más desinteresados posible excluyendo mi carácter personal. Pero en este proyecto ofrezco mi experiencia personal del terremoto a la gente que vive aquí, en Barcelona. Presento nuevos trabajos alrededor del Sakegashira: litografía, animal de peluche y receta culinaria.

María Bagur – Los libros que no podrán ser leídos
ESCULTURA

Se podrían definir como libros escultóricos. Se trata de unos libros contenedores, realizados con diferentes materiales: vidrio, yeso, papel, … y cada uno de ellos, quiere expresar algo diferente, a través de la misma forma.

En este caso, con “El libro que nunca podrá ser vuelto a leer” es de vidrio, y en el interior podemos contemplar fragmentos de hojas quemados con centros. El sentido de esta pieza es homenajear todos los libros que han sido quemados y censurados, aquellos que han sido prohibidos, aquellos que se han perdido y no podrán ser vueltos a leer nunca más.

Es una pieza que en lugar de contener nuevos mensajes, contiene fragmentos, pequeñas partículas de libros que no serán leídos, dando un aspecto de urna, para que nos demos cuenta de la pérdida.

Rubén Ibáñez – Vacíos
ESCULTURA

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? Son preguntas que el ser humano siempre se ha planteado desde su existencia, creando desde las primeras civilizaciones mitos y leyendas que daban explicación a las estrellas, el sol, el mar, la tierra, el universo, etc. Las religiones monoteístas respondían a estas preguntas con la existencia de un Dios supremo creador de todo.

Por otra parte, en la historia, los científicos se han encargado de dar respuesta a algunas preguntas y de romper fundamentos religiosos.

Esta pieza artística no pretende ser una crítica a las religiones sino una alegoría a la incapacidad del ser humano para llegar a comprender y conocer los confines del universo y nuestra existencia.

Cristina Lavilla – Cutis #4
DIBUJO

Cutis es una serie de dibujos-collage digitales que permiten hacer una mirada introspectiva en el rostro. Centrándome en la búsqueda de material publicitario, extraído de revistas femeninas de los años cincuenta y sesenta, me adentro en sus imágenes y su lenguaje para plantearme una serie de cuestiones que siguen vigentes en la publicidad actual.

Mediante la aglomeración y la reiteración compongo interiores orgánicos, formados por capas de piel y células, donde sugiero las reacciones que se manifiestan en nuestro interior al recibir los inputs del constante bombardeo visual por parte de los mass media. Me interesa generar un imaginario propio que evoque a este conflicto interno a través del color y la composición, a fin de representar lo que no vemos.

Kika Moragues – MA-PA025
PINTURA

El ser humano siempre ha necesitado construir planos para organizar al caos de lo inalcanzable.

Lo real y lo salvaje son planos que antológicamente se han visto como una dicotomía imposible de acoplar y propiamente autónomos, pues existe una estructura conceptual para el estudio de cada uno de estos dos planos; para encontrar esta adhesión, aunque a medida que los estudios narratológicos avanzan, más improbable resulta establecer férreos límites entre ambos.

Sergio Mesa – S/T
PINTURA

Me interesa la idea de establecer una analogía entre los espacios urbanos que transitamos diariamente y los videojuegos de plataforma en los que tienes que ir superando niveles. Es esta noción de realidad representada a través de iconos y pantallas, que nos priva de la experiencia directa.

En mi trabajo trato de generar “mapas visuales”, arquitecturas y espacios a través de una poética fundamentada en la gramática de la pintura y el dibujo. Todo ello con un punto naïf de ambigüedad que me permite jugar con los límites de la representación. Interpelando al fin y al cabo, ensayar otras formas de pensar y de imaginar.

Yaneth Rivas – Insuficiencia
SERIGRAFÍA

La angustia de asesinar algo desconocido de forma perenne, no basta conocer callejones para estar inmensamente perdido, haciendo lo que haga falta para seguir vivo; amar, matar, comer. ¡Estar vivo! Sangrar, odiar, amar. ¡Estar vivo! Amar el conflicto, drogarse de noche, la contemplación desinteresada. ¡Estar vivo! Estar contigo, estar sin ti, estar solo, estar solo, estar solo. ¡Estar vivo! E¡nsayar este momento, describirte las mentiras en que se excomunican las tetas! ¡Los adolescentes filipinos y raperos que saltan la reja del pasaje de San Bernardo! Ser aquí … ESTAR VIVO.

 

Marina Avila – S/T
FOTOGRAFÍA

Obra que materializa una propuesta sinestésica de rechazo a la sociedad cuestionándose desde diferentes realidades significativas de un ser social: el anhelo en la naturaleza, el papel de la religión, la opresión del consumismo y el ideal de belleza.

Agrupadas y ordenadas, las cuatro imágenes crean un discurso lineal y unitario que propone una reflexión histórica sobre el comportamiento gregario del ser humano en sociedad.

Mateo Pérez – 16.1.2013_04.06.2013
FOTOGRAFÍA

Estas fotos están extraídas de un fichero, compuesto por veinte imágenes. El trabajo es el resultado de la búsqueda de una mirada, una forma propia de mirar la ciudad. Colocar el espacio urbano dentro de la cámara. Paseando buscando lugares anónimos de la ciudad. Lugares que pasan desapercibidos, pero que ocupan un lugar y ganan protagonismo si son mirados de la forma adecuada. Todo se reduce a organizar, geometrizar creando preguntas, incógnitas. Buscar la belleza anónima y oculta de la ciudad. El título de las fotografías viene dado por la fecha en la que fueron realizadas, reforzando la idea de que en la fotografía no hay marcha atrás después de congelar el momento, pero no solo eso sino que también hace patente para siempre la forma de mirar del fotógrafo, en ese momento. De esta manera el trabajo busca crear un archivo que me permita conocerme a mí mismo y acercar mi forma de ver a los demás.

Oriol Pedregosa – CIUDAD / TIEMPO / MASA
FOTOGRAFÍA

Aunque convivo con una sensación constante de búsqueda, mis trabajos parten de una relación física con los elementos, y es en estos donde se generan el lenguaje poético y los componentes conceptuales que forman la obra.

Entender la ciudad como un lugar en tránsito, y reflexionar sobre cómo las personas funcionamos como una enorme masa en el espacio público, es el objetivo principal de este trabajo. Las fotografías de larga exposición realizadas a plena luz del día han permitido registrar las personas como un enorme flujo en movimiento, permitiendo así que la imagen sea entendida como el registro de todo un espacio de tiempo, y no como un instante.

Rubén Ibáñez – Enigmas
ILUSTRACIÓN

A partir de explorar mundos imaginarios, genero mi particular visión de la muerte, el vacío y sus enigmas. Representando con ambientaciones oníricas de aire naïf, que contrastan con la brutalidad de hechos tan frívolos como el asesinato o el suicidio, donde utilizo por ejemplo, la luz artificial en paisajes naturales, extrañas formas, sombras y tonos pastel.

Los personajes que habitan estos mundos se encuentran en un momento concreto, escenificando la incertidumbre de un momento concreto. Jugando esquivar pruebas evidentes que expliquen lo que ha sucedido porque el enigma sea el personaje principal.

Mirella Hänninen – The things I miss always and never
INSTALACIÓN

Esta instalación forma parte de la serie “La anatomía de emociones”. Se trata de jugar con el simbolismo de nuestra propia anatomía, a la vez que queremos explicar algunos sentimientos que todos tenemos en común. Con esta obra quiero hablar de la añoranza. De todas aquellas cosas que echamos de menos y de aquellas que no añoramos. Este hecho lo conseguimos a través del juego de escalas que está presente en la instalación. Dando la sensación de que tu cuerpo se va haciendo a veces grande y a veces pequeño.

Marta Ferraté – 28 dies
VÍDEO ARTE

“Sólo la luna sospecha la verdad, y es que el hombre no existe”
Vicente Aleixandre

28 días es una analogía entre el cuerpo humano y la naturaleza. Pretende cuestionar y expandir los límites de nuestra individualidad.

En formato de proceso cíclico, el vídeo muestra cómo el exterior y el interior de nuestro cuerpo están íntimamente relacionados. No son elementos independientes sino iguales e inseparables.

Joan Cot
MÚSICA

La música en el Setba Jove sigue estando al margen del Stripart, esta vez encabezada por el músico y compositor Joan Cot que ofrecerá un concierto el 28 de octubre a las 20h, coincidiendo con la inauguración de la artista de CACIS, Rosa Doughty.